芸術を捨てた芸術家

時代の流れにのって、キャバレーやシャンソン酒場がひしめくパリきっての歓楽街に発展。
「自由の町モンマルトル!聖なる丘モンマルトル!」
画家や詩人たちは口々にそう叫び、夜の街に繰り出した。

自由で華やいだ雰囲気のなか、彼らはのびのびとその才能を開花させていく。
芸術の丘モンマルトルに、そんな古き良き時代の面影を追って、画家たちの足跡をたどってみよう。
モンマルトルを愛した画家の中でも、忘れてはならないのがユトリロであることは言うまでもないだろう。

ウォーホルの作品、キャンベル・スープ缶。

これがファクトリーで制作された作品、第2弾です。

Ⅰ、Ⅱのシリーズがあり、これはⅡのなかの1点です。

ウォーホルは1962年から1968年頃、この缶を題材とした作品を多く制作しました。

その一連の作品は、ペンシルベニア州にあるアンディー・ウォーホル美術館に展示されています。

ウォーホルがこのスープ缶を選んだ理由にこんなことを言っています。

「僕は自分が美しいと思うものを、いつも描いているだけです。

僕はスープを描いていますが、それは僕がスープを好きだから。」

とてもシンプルな理由です。

モチーフを選んだ理由なんて芸術家には愚問ですね。

アンディ・ウォーホルは、『エンパイア』（1964年）などのコンセプチュアルな実験映画を次々に制作・上映していました。

この『エンパイア』という映画は、今は無きエンパイアステートメント・ビルを延々と映したものです。
長さはなんと8時間！！

衝撃的な長さです。

どんな不眠症の人でも眠れるかもしれません。

ウォーホルはこんな言葉を残しています。

「私は退屈なものが好きです。窓のふちに腰をかけて、外を眺めて見ると、実に面白く感じる。むろん、そのために時間がとられてしまう。しかし、実際に、一日中窓から外をのぞいている人々の姿が見られるのではないだろうか。だから、私自身もそうしたいと思う。どっちみち、自分の部屋の窓からのぞいていなければ、私はどこかの店にすわって外の往来を眺めているにちがいない。だから、私の映画は時間つぶしの方法を示したものにすぎないのである。」

今回はコンセプチュアル・アートの先駆者、アンディ・ウォーホルです。

このシルクスクリーンは、アメリカの有名な女優マリリン・モンロー。

ウォーホルの作品は、彼女をモチーフにしたものが特に有名ですよね。

ウォーホルは銀髪のカツラをトレードマークとし、ロックバンドのプロデュースや映画制作なども手掛けたマルチ・アーティストです。

本名はアンドリュー・ヴァーコラといいます。

イヴ・クラインは多くのパフォーマンスや、その記録写真も残しています。

有名なものは、彼が塀の上から道路の上空に向けて跳躍している写真作品『空虚への跳躍』ですね。彼は空中を飛ぶという夢にとらわれ、何度もパフォーマンスを行ったそうです。

可視のものを不可視にし、また可視に戻すことは彼の芸術のシステムであり、続いて行った儀式的パフォーマンスアートであり絵画でもある『人体測定』シリーズにつながりました。

1960年から始まった制作で、彼は公開制作の際に観客たちに完全な正装を求め、自らも正装で臨んでいます。それは破天荒な場を神聖化するための儀式でもありました。

自作の曲『モノトーン・シンフォニー』を指揮し、オーケストラに演奏させ、IKBの顔料を体に塗ったヌードモデルたちに指示を与えキャンバスに横たわらせたり、横たわるモデルの周りのキャンバスにIKB顔料を吹き付けたりしました。

この結果、「人間の動的エネルギーの痕跡」がキャンバスに残ることになったんです。

イヴ・クラインは、単色の作品を制作する、モノクロニズムを代表するフランスの画家です。

クラインは1948年から単色のみによる絵画作品の制作に取り組み始めました。

オレンジやピンク、青などの色を用いて創られたそれらのモノクローム絵画は、
作品ごとに画面が平らか凹凸があるか、明るさのグラデーションがあるか、
そのようなグラデーションのない全くの単一色か・・・という違いはあるものの、
「一作において一色のみを画面全体に塗る」という方針では一貫しています。

このような作風はなかなか理解されず、作品を展覧会に出品するも拒否されることもありました。
それでも単色にこだわるクラインの姿勢は、のちの『人体測定』シリーズにおける
単色の色使いにも及んでいます。

特に「青」を宇宙の神秘的なエネルギーに通じる最も非物質的で抽象的な
色だとして重要視し、自ら理想的な青の染料を開発しました。

1957年に、黄金よりも高貴な青「インターナショナル・クライン・ブルー」と
呼ばれる深い青色の特許を取得します！

ミラノで『イヴ・クライン－モノクロームの提案、ブルーの時代』という
タイトルで行われた個展で、この染料をキャンバス一面に塗布した
青色の絵画の作品群を発表しました。

1911年には連続写真を思わせる『汽車の中の悲しげな青年』を作ります。
翌1912年には出世作『階段を降りる裸体No.2』、『花嫁』などを描きます。

しかし・・・・所属していたキュビスムを研究するグループの保守的な批判（『裸体は階段を降りるものではない』と題名の変更を求められたそうで・・・・）に激怒して、グループ展に出品していた作品を取り下げちゃいます。

せっかく作ったのに、そんな事を言われたら困りますよねぇ・・。
この1912年に油絵を複数制作した後、油絵をほとんど描かなくなります・・・。

1887年、ノルマンディー地方セーヌ＝マリティム県ブランヴィルの豊かな家庭に生まれ、父は公証人。

マルセルは7人兄弟の3男です。兄たちの影響を受けて少年時代から絵を描き始めます。
高校を卒業後は、1904年にパリに出てピュトー派の兄たちと合流をします。
兄たちの影響は、大きいです。

兵役の終了後は、アカデミー・ジュリアンで絵画をお勉強します。
初めの頃には印象派やフォーヴィスム風の作品や、『階段を降りる裸体』のようなキュビスムと未来派の影響を受けた絵画作品もあります。
色々な事から影響を受けていますね。

デュシャンはニューヨーク・ダダの主要人物とされ、20世紀の美術に一番影響を与えた作家の1人と言われています。

デュシャンが他の巨匠たちと違うのは、30歳代半ば以降の人生の中でほぼ作品らしい作品を作成していないこと。

デュシャンが亡くなったのは1968年ですが、「絵画」・・らしい作品を描いていたのは1912年の時までで、それ以降は油絵を投げ出したそう。

墓碑銘に刻まれた「死ぬのはいつも他人ばかり」という言葉も有名ですね。
ちなみにこの刻まれた言葉は、寺山修司が好きだったそうです。
皆さんは、これどういう風に解釈しますか？

マルセル・デュシャンは、フランス出身でのちアメリカで活躍した美術家。
20世紀美術に決定的な影響を残した美術家さんなんですよ～～。

画家として出発したのですが、油彩画の制作は1910年代前半に放棄しました。
しちゃいました。

後は・・・チェスの名手としても知られていたんですよね。
チェックメイト！

ローズ・セラヴィという名義を使ったこともあるそうで。何故でしょうかね～。
2人の兄、ジャック・ヴィヨンも美術家です。